PRESS RELASE: dispari&dispari project opens Saturday March 19th at 6.00 pm, "I Come Before a Couple of Days", the second Italian solo show of Christian Eisenberger, who for the occasion will collaborate with the artist Judith Rohrmoser at the creation of a massive art installation. The Industrial space in Via Vincenzo Monti 25 - Reggio Emilia will be reconfigured with a habitable structure composed by the union of enamel paintings on canvas, designed and created at the time. A series of unreleased films screened inside and outside the installation recount some highlights of the career of this artist. On The opening day, Eisenberger and Rohrmoser will perform in a performance that will animate the entire structure giving rise to unpredictable situations...

Known on the international art-scene for the originality of the projects that often involve the environment and the audience intervened, Christian Eisenberger (Graz, 1978), has participated in numerous solo and group exhibitions around the world. It's recalled briefly: Catch Me!, Kunsthaus Graz, Space01, Graz, Painting, Process and Expansion - Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig - MUMOK , Vienna, Street and Studio - Kunsthalle Wien, Vienna, Triennale Linz 1.0 , Linz, A Basic Human Impulse - GC.AC - Galleria Comunale d'Arte Contemporanea di Monfalcone, Flavors of Austria - TAF The Art Foundation, Atene, Hard Rock Walzer - Villa Manin, Codroipo (UD).

Judith Rohrmoser (Salzburg, 1983), initially known for her work as Graffiti Artist, has continued to work in painting in the classic sense, combining it with her shameless Rap Performance performed alone, or with her band The CliqueKlit. She has exhibited in several international exhibitions such as: Screwball Dinner, Tegen 2, Stockholm, Wiener Innen Aussen, Wonderloch Kellerland, Berlin, You can see my tits but you can’t carry my bag, Performance, Museé au Ciel Ouvert, Paris, Le Tag au Grand Palais, Grand Palais, Paris, You can't call me bitch, Performance, Mak, Vienna.

The exhibition is open to the public until May 1st 2011.
For more information visit www.dispariedispari.org

Christian Eisenberger è un uomo di poche parole ma molte idee. E' un artista che attinge la pienezza della vita. Il deposito dal quale trae è senza fine, perchè questo deposito non è altro che il mondo in tutte le sue parti componenti. Eisenberger conduce la sua arte seriamente (al contrario di "ironicamente") come una appropriazione del mondo, utilizzando e trasformando tutte quelle cose che un luogo offre e che per gli altri non hanno molta importanza. E 'un mondo di cose semplici al di là della loro utilità e del loro valore di scambio, un universo caotico di scatole di cartone, riviste porno, palchi, vecchie cartoline, dischi graffiati, reggicalze, ultrasuoni dei feti, foto del nonno e di Marilyn Monroe, masse di nastro adesivo, rifiuti di capelli dal parrucchiere, i commenti dei passanti e vernice in abbondanza - in poche parole, usa tutto il materiale. OK, ma per cosa? Per le nuove parti del mondo che appartengono al sistema operativo dell'arte. Cose assurde come bassotti di cemento su gambe di cervo, croci cristiane, stelle di David e la stelle comunista fatta di livelli di zucchero, "Good Morning" saluti in sterco di vacca o bozzoli di nastro adesivo dai quali uscire, come l'abbandono della muta di una vecchia pelle, in linea con la sua metamorfosi quotidiana come artista.

Transitorietà, fragilità, effimerezza e trasformazione sono una qualità essenziale di molte delle sue opere: nelle figure di cartone che i collezionisti raccolgono gareggiando con i locali spazzini vestiti di arancione (il "balletto carota"), nei bozzoli umani di nastro adesivo che lentamente collasso, nei disegni di fumo più o meno bruciati, nella inservibile forca di schiuma da barba e tubi al neon o nelle immagini di zombie al silicone e vernice che espone per diverse settimane alle intemperie e alla fauna nel giardino del suo studio. L'artista esegue nel 2008 una serie di immagini spettrali 'Zombie", cadaveri viventi le cui caratteristiche del viso lentamente si dissolvono come le foto d'epoca. "Lemuri" è il nome che Franz West ha dato alle sue teste spettrali con la bocca spalancata, di cui egli dice che la città ha in abbondanza. Proprio come molti Dorian Gray.

Ovunque vada Eisenberger, il materiale per le sue opere è già lì. Prende sempre dall'ambiente circostante. Che sia in natura o in una fattoria, nel centro di una città o nel museo, egli utilizza, trasforma e ricicla tutto ciò che è a portata di mano. È per questo che tutte le etichette quali "Land Art" o "Street Art" sono inadeguate, in quanto la forza espressa della costanza artistica di Eisenberger e il suo lavoro quotidiano in studio, hanno la natura di una performance permanente, che rende il processo di lavoro più importante che lo stesso risultato. L'artista lavora spesso in serie, sperimentando idee e materiali finché non si stufa e le opere diventano sempre più casuali e 'undesigned'. Nelle sue mostre gli piace attingere da creazioni precedenti, variando e combinandole con nuovi elementi, portando sia i materiali che l'uomo al limite. Nel 2008 ha costruito alla fiera d'arte di Vienna una torre di vedetta con nastro adesivo e listelli di legno, invitando i visitatori a seguirlo fisicamente ad altezze vertiginose.

Che cos'è che distingue le rappresentazioni di transitorietà di Eisenberger dai temi storici della vanitas? Da un lato, la transitorietà è stata tradizionalmente considerata nello specchio dell'esistenza come una bellezza fragile. Questo aspetto è sconosciuto nel lavoro Eisenberger. Un altro aspetto, la riforma del dolo intenzionale umano ruotando intorno a fede e l'istruzione religiosa, è altrettanto assente. La natura paradossale dei temi storici sulla vanitas è la presenza dell'assenza, l'esistenza di ciò che è passato, che si applica sia alle immagini che agli oggetti. Quante generazioni sono sopravvissute ai Quattro Cavalieri dell'Apocalisse, alle navi dei folli, alle colonne di peste e alle nature morte di teschi come un memento mori? L'Arte che cattura la transitorietà per tutta l'eternità rimane un "come se", un trompe-l'œil di transitorietà. Ma Eisenberger non si ferma qui. La sua rappresentazione di transitorietà è transitoria. Chissà per quanto tempo i materiali con cui lavora sopravviveranno? Molte cose, come le sue sculture di zucchero sopra ad un formicaio o i graffiti di schiuma da barba, sono concepiti per il momento stesso. Altri hanno un tempo di vita più lungo, ma un prevedibile decadimento è intrinseco nella natura della sua arte. Quindi è forse come un gioco di prestigio ironico fatto dalla mano dall'artista nei confronti di coloro che vogliono raggiungere l'eternità possedendo le sue opere? No, perché l'arte Eisenberger consiste nel prendere sul serio il degrado, senza restrutturare niente, sennza nessun abbellimento, ma piuttosto il raggiungimento della compostezza titanica che risuona in "E 'quello che è".

Martin Titz

Christian Eisenberger is a man of few words but many ideas. He is an artist who draws on the fullness of life. The depository from which he draws is endless, for this depository is no less than the world in all of its component parts. Eisenberger conducts his art seriously (as opposed to “ironically”) as an appropriation of the world by utilising and transforming everything that a place has to offer and which others give not so much as a glance. It is a world of simple things beyond their utility and exchange value, a chaotic universe of cardboard boxes, porn magazines, antlers, old postcards, scrapped records, fir-cones, discarded suspender belts, ultrasounds of foetuses, pictures of his grandfather and of Marilyn Monroe, masses of sticky tape, hair sweepings from the hairdresser's, comments from passers-by, and paint in abundance – in a nutshell, he uses everything as material. OK, but what for? For new parts of the world that belong to the operating system art. Absurd stuff such as concrete dachshunds on deer's legs, Christian crosses, stars of David and communist stars made of spirit-levels, “good morning” greetings made of cow dung, sticky tape cocoons from which he slips, as if shedding them like an old skin, in keeping with his daily metamorphosis as an artist.

Transience, fragility, ephemerality and transformation are an essential quality of many of his works: in the cardboard figures that collectors raced the local orange-clad dustmen (the “carrot ballet”) to pick up, in the human sticky tape cocoons that slowly collapse, in the more or less burned smoke drawings, the totally useless gallows of shaving-foam and neon tubes, or the zombie pictures of silicone and varnish that he exposed to the weather and the fauna of his studio garden for several weeks. The artist refers to the series of pictures of ghostly heads made in 2008 as “Zombies”, living corpses whose facial features slowly dissolve as the pictures age. “Lemurs” is the name that Franz West gives to his ghostly heads with wide-open mouths, of which he says the city has an abundance. And just as many Dorian Grays.